Comics haben seit ihren Anfängen einen langen Weg zurückgelegt. Einst einfache Illustrationen in Zeitungen, haben sie sich zu einer globalen Kunstform entwickelt, die sowohl verschiedene Kulturen geprägt hat als auch von ihnen geprägt wurde. Heute sind Comics überall: auf Papier, Bildschirmen und sogar in Blockbuster-Filmen. Aber wie kam es dazu?
Wie es begann
Die Geschichte der Comics ist eine faszinierende Reise, die Jahrhunderte umfasst und mehrere Kontinente überquert. Während moderne Comics ein relativ neues Phänomen sind, lassen sich die Wurzeln der sequentiellen Kunst – das Kombinieren von Worten und Bildern, um eine Geschichte zu erzählen – bis vor tausenden von Jahren zurückverfolgen.
Wie wir alle wissen, haben antike Zivilisationen lange bevor der Begriff „Comics“ existierte Bilder verwendet, um Geschichten zu erzählen.
Im alten Ägypten zeigten Wandmalereien Szenen des Jenseits, oft in sequentieller Reihenfolge. Die alten Griechen verwendeten Friese, um mythologische Ereignisse zu illustrieren, während römische Säulen wie die Trajanssäule eine spiralförmige Erzählung nutzten, um militärische Kampagnen zu berichten.
Im mittelalterlichen Europa erzählten illustrierte Manuskripte wie der Wandteppich von Bayeux (aus den 1070er Jahren) die Geschichte der normannischen Eroberung Englands durch eine Reihe von Bildern.
Obwohl diese frühen Beispiele keine Comics im modernen Sinne waren, legten sie das Fundament für die Kombination von Worten und Bildern, um eine Erzählung zu vermitteln.
Spulen wir vor ins 19. Jahrhundert, als moderne Comics zu entstehen begannen.
Ein frühes Beispiel für einen Comicstrip war The Glasgow Looking Glass, eine satirische Publikation aus Schottland, die erstmals 1825 gedruckt wurde. Sie verwendete Illustrationen und Bildunterschriften, um sich über soziale und politische Themen lustig zu machen.
In der Mitte des 19. Jahrhunderts wird dem Schweizer Künstler Rodolphe Töpffer die Schaffung der ersten echten „Comics“ zugeschrieben. Seine illustrierten Geschichten wie Histoire de Monsieur Vieux Bois (1837) kombinierten Zeichnungen mit kurzen Bildunterschriften und gelten als Vorläufer moderner Graphic Novels. Diese Werke wurden in ganz Europa populär und legten den Grundstein für das Comicstrip-Format.
Comics begannen am Ende des 19. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten zu boomen. Die boomende Zeitungsindustrie suchte nach neuen Möglichkeiten, Leser zu gewinnen, und Comics wurden zum perfekten Werkzeug.
The Yellow Kid, von Richard F. Outcault, erschien 1895 erstmals in The New York World und gilt weithin als der erste populäre Comicstrip. Die Verwendung von Sprechblasen zur Übermittlung von Dialogen und wiederkehrenden Charakteren setzte den Standard für moderne Comicstrips.
Nach The Yellow Kid gewannen andere Strips wie Little Nemo in Slumberland (1905) von Winsor McCay und Krazy Kat (1913) von George Herriman an Beliebtheit.
Diese frühen Comics waren verspielt und visuell kreativ und legten den Grundstein für das, was als Nächstes kommen sollte. Strips wie Popeye, Dick Tracy und Flash Gordon gewannen ebenfalls an Popularität, indem sie sich auf Abenteuer und Heldentum konzentrierten und den Weg für den Aufstieg von Superhelden ebneten.
Bis zum frühen 20. Jahrhundert waren Zeitungscomics ein wesentlicher Bestandteil der amerikanischen Popkultur geworden.
Das Goldene Zeitalter der Comics: Der Aufstieg der Superhelden
Die 1930er Jahre brachten mit der Geburt des Superhelden-Genres einen bedeutenden Wandel in den Comics, der den Beginn des sogenannten Goldenen Zeitalters der Comics markierte.
Superhelden haben die Comicindustrie und die Popkultur als Ganzes tiefgreifend beeinflusst. Ihre Einführung und Entwicklung haben Erzählstile, künstlerische Ansätze und die Natur der Comics als Medium geprägt.
1938 führte Action Comics die Welt zu Superman, dem ersten Superhelden, erschaffen von Jerry Siegel und Joe Shuster.
Superman war ein sofortiger Erfolg und legte mit seinen ikonischen Kräften und seinem Engagement für Gerechtigkeit das Fundament für das Superhelden-Genre.
Als Superman während der Großen Depression debütierte, verkörperte die Figur Hoffnung und den amerikanischen Traum. Er repräsentierte Ideale von Wahrheit, Gerechtigkeit und dem amerikanischen Lebensstil und wurde schnell zu einem Symbol der Hoffnung und einem Verteidiger der Unterdrückten.
Die Popularität von Superman führte zu einer Welle neuer Superheldenfiguren, darunter Batman (1939), Wonder Woman (1941), Captain America (1941) und The Flash (1940).
Diese Superhelden wurden kulturelle Symbole, insbesondere während des Zweiten Weltkriegs, als sie oft dargestellt wurden, wie sie gegen die Achsenmächte kämpften und die Moral an der Heimatfront stärkten.
Während dieser Zeit wurden Comics zu einem Grundnahrungsmittel der amerikanischen Unterhaltung.
Sie waren erschwinglich und weit verbreitet, mit Millionen von Exemplaren, die jeden Monat verkauft wurden. Allerdings war das Superhelden-Genre nicht das einzige, das florierte.
Comics behandelten auch Themen wie Verbrechen, Horror, Romantik und Western und sprachen ein breites Lesepublikum an.
Superhelden tauchten in Zeiten sozialen und politischen Umbruchs auf und spiegelten die Bestrebungen und Ängste ihrer Epochen wider.
Rückgang und Wiederbelebung
Nach dem Zweiten Weltkrieg begannen Superhelden-Comics an Beliebtheit zu verlieren.
Die Nachkriegsjahre sahen einen Wandel im Interesse der Leser, und andere Genres wie Horror, Kriminalität, Romantik und Western-Comics begannen aufzutauchen.
Titel wie Tales from the Crypt, Crime Does Not Pay und Young Romance richteten sich an ein älteres Publikum, das reifere Themen suchte. Diese Comics erkundeten rauere, oft dunklere Erzählungen, die weit entfernt waren von dem optimistischen Heroismus des Superhelden-Genres.
In diesem Zeitraum entstand auch die Comics Code Authority (CCA) im Jahr 1954. Aufgrund wachsender Bedenken über den Inhalt von Horror- und Kriminal-Comics und der Behauptung, dass sie zur Jugendkriminalität beitrugen, wurde die CCA gegründet, um den Comicinhalt zu regulieren.
Sie erlegte strenge Richtlinien auf, die Gewalt, Verbrechen und sexuelle Themen einschränkten. Viele Comicverlage hatten unter diesen Einschränkungen zu kämpfen, und mehrere kleinere Unternehmen gingen in den Konkurs, was die Branche wieder auf Superhelden fokussierte.
Nach einem Rückgang der Beliebtheit von Superhelden nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte das Genre in den 1950er Jahren eine Wiederbelebung.
Dieser Zeitraum, bekannt als das Silberne Zeitalter der Comics, begann 1956 mit der Wiederintroduktion von The Flash durch DC Comics.
Diese Ära war geprägt von Innovation und Kreativität, wobei Comic-Autoren und -Künstler Sci-Fi-Themen erkundeten und komplexere Charaktere schufen.
Superhelden etablierten riesige fiktive Universen, die Crossovers und Interaktionen zwischen Charakteren ermöglichten. Diese Vernetzung hielt die Leser interessiert und engagiert, insbesondere bei langlaufenden Handlungssträngen.
Ein perfektes Beispiel ist das Marvel-Universum, das ikonische Charaktere wie Spider-Man, Iron Man und Thor umfasst. Erschaffen von Stan Lee und verschiedenen Künstlern, teilen diese Charaktere ein gemeinsames Universum, was zu Cross-Over-Events wie The Avengers führte, die sowohl in Comics als auch in Filmen ein großer Erfolg wurden.
Marvel Comics wurde während des Silbernen Zeitalters zu einer großen Kraft.
1961 führte Fantastic Four eine neue Art von Superhelden ein – einen mit realen Problemen und Mängeln. Die Superhelden von Marvel, wie Spider-Man, die X-Men, Iron Man und die Avengers, wurden aufgrund ihrer nachvollziehbaren Kämpfe und emotionalen Tiefe äußerst populär.
Das Silberne Zeitalter sah auch, dass Comics soziale Themen wie Rassismus, Drogenabhängigkeit und politische Unruhen ansprachen und somit den Grundstein für reifere Erzählungen in den kommenden Jahren legten.
Japan: Die Geburt des Manga
Eine Diskussion über Comics wäre nicht vollständig ohne die Erwähnung Japans. Manga, die japanische Version von Comics, reicht in einigen Formen bis ins 12. Jahrhundert zurück, aber moderne Manga begannen nach dem Zweiten Weltkrieg.
Osamu Tezuka, oft als der “Gott des Manga” bezeichnet, revolutionierte die Kunstform mit seinem Werk *New Treasure Island* im Jahr 1947.
Sein Werk markierte einen entscheidenden Moment in der Entwicklung von Manga und Animation, beeinflusste unzählige Künstler und prägte die Zukunft beider Medien.
Einer der bedeutendsten Aspekte war sein cineastischer Ansatz zur Erzählweise in *New Treasure Island*. Er verwendete dynamische Panel-Designs, unterschiedliche Perspektiven und einen Rhythmus, der filmische Techniken nachahmte. Dies schuf ein Gefühl von Bewegung und Dramatik, das in Manga zuvor nicht gesehen worden war. Die Verwendung von Nahaufnahmen, Weitwinkelaufnahmen und verschiedenen Blickwinkeln half, Emotionen und Handlungen effektiver zu vermitteln, wodurch die Erzählung ansprechender wurde.
Zusätzlich kombinierte New Treasure Island geschickt Abenteuer, Humor und Drama. Tezuka scheute sich nicht, komplexe Themen wie Moral, Gerechtigkeit und die menschliche Natur zu erkunden.
Tezukas Erfolg mit New Treasure Island half, Manga zu einer legitimen Kunstform zu erheben, die innerhalb der künstlerischen Gemeinschaft Anerkennung und Respekt gewann. Durch die Mischung aus Unterhaltung und tiefergehenden Themen sowie innovativen Techniken zeigte er, dass Comics ein kraftvolles Medium für Geschichtenerzählungen sein können, das in der Lage ist, komplexe soziale Themen zu behandeln.
Tezukas Astro Boy (1952) wurde zu einer Sensation, und sein cineastischer Stil, inspiriert von Disney-Animationen, prägte das Aussehen von Manga für Generationen. In den 1960er und 70er Jahren erlebte Manga einen Boom, mit Genres, die von Romanze und Abenteuer bis hin zu Horror und Science-Fiction reichten. Heute ist Manga eine globale Kraft, die nicht nur andere Comics, sondern auch Film, Fernsehen und sogar Mode beeinflusst.
Europa: Mehr als nur Superhelden
Europas Ansatz für Comics war traditionell vielfältiger und facettenreicher als der auf Superhelden fokussierte Ansatz, der in amerikanischen Comics zu sehen ist.
Während die USA für ihre Superhelden bekannt waren, ging Europa einen anderen Weg.
In den 1930er und 40er Jahren wurden franko-belgische Comics zu wichtigen Akteuren. Figuren wie Tim und Struppi (geschaffen vom belgischen Künstler Georges Remi, besser bekannt unter seinem Pseudonym Hergé) und Lucky Luke fesselten die Vorstellungskraft von Kindern und Erwachsenen gleichermaßen. Diese Comics handelten nicht nur von Action; sie erforschten Geschichte, Politik und sogar Philosophie.
Europäische Comics, oder bandes dessinées auf Französisch, haben eine lange Geschichte, die tief in verschiedenen Kunstformen verwurzelt ist, darunter Karikaturen, illustrierte Romane und Traditionen des grafischen Erzählens.
Länder wie Frankreich, Belgien und Italien haben Comics hervorgebracht, die ihre einzigartigen kulturellen Identitäten, Geschichten und künstlerischen Bewegungen widerspiegeln. Dieses reiche kulturelle Erbe hat eine breitere Vielfalt an Genres und Themen jenseits von Superhelden ermöglicht.
Werke wie Asterix von René Goscinny und Albert Uderzo kombinieren Humor, Abenteuer und historische Referenzen und zeigen das reiche Gewebe der europäischen Kultur.
Im Vereinigten Königreich waren Comics traditionell stärker auf Humor und Abenteuer ausgerichtet. Titel wie *The Beano* und *The Dandy* sorgten für Lacher bei jungen Lesern.
Später würden britische Autoren wie Alan Moore und Neil Gaiman amerikanische Comics mit dunkleren, reiferen Inhalten revolutionieren und der Industrie eine einzigartig britische Perspektive verleihen.
Europäische Comic-Künstler genießen oft eine größere künstlerische Freiheit im Vergleich zu ihren amerikanischen Kollegen.
Während die amerikanische Comic-Industrie stark vom Superhelden-Genre und kommerzieller Viabilität beeinflusst ist, waren europäische Comics offener für experimentelle Stile und Erzählungen. Dies hat eine breitere Erkundung von Themen wie Politik, soziale Probleme und persönliche Erfahrungen ermöglicht.
Ein prächtiges Beispiel ist *Persepolis* von Marjane Satrapi, ein autobiografischer Graphic Novel, der Themen von Identität und Kultur erforscht und eine persönliche und politische Perspektive auf das Leben im Iran bietet.
In Indien
In Indien gewannen Comics in den 1960er Jahren an Fahrt mit der Schaffung von *Amar Chitra Katha*, einer Comicreihe, die traditionelle indische Geschichten, Mythen und Geschichte nacherzählte. Diese Comics bildeten Kinder über ihr Erbe auf, während sie sie mit lebendigen Illustrationen und abenteuerlichen Handlungen unterhielten.
Superhelden gewannen auch in Indien an Popularität mit Figuren wie Nagraj und Shaktimaan, die indische Mythologie mit dem westlichen Superhelden-Archetyp kombinierten.
Zunächst sollten wir anmerken, dass Nagraj “König der Schlangen” bedeutet. Die Figur wurde als Superheld mit Kräften und Fähigkeiten konzipiert, die denen einer Schlange ähnlich waren. Er wurde von der indischen Mythologie und der kulturellen Verehrung von Schlangen inspiriert, insbesondere von der Figur der Nagas (Schlangengötter) im Hinduismus.
Zweitens integriert der Comic oft Elemente der hinduistischen Mythologie, wobei insbesondere das Konzept von “Naglok”, der mythischen Welt der Schlangen, im Vordergrund steht. Nagrajs Geschichten drehen sich typischerweise um den ewigen Kampf zwischen Gut und Böse. Im Laufe der Jahre hat Nagraj verschiedenen Gegnern gegenübergestanden, darunter Zauberer, Monster und Verbrecher.
Drittens spiegeln seine Geschichten eine reifere und komplexere Erzählweise wider, die von indischem Folklore und modernen Superhelden-Konventionen beeinflusst ist.
Shaktimaan ist zweifellos der bekannteste Superheld in Indien, der in den späten 1990er Jahren für das indische Fernsehen geschaffen wurde. Zunächst war er keine Comicfigur, aber sein Erfolg im Fernsehen führte zu Adaptionen in verschiedenen Medien, einschließlich Comics, die seine Handlungsstränge erweiterten. Shaktimaan hat einen einzigartigen Platz in der indischen Popkultur, da er dank seiner Fernsehabenteuer zu einem Namen wurde.
Seine Ursprünge sind tief spirituell und beruhen weitgehend auf der hinduistischen Mythologie, wobei Konzepte wie innere Stärke, die Kraft der Meditation und rechtschaffenes Leben im Vordergrund stehen.
Die Figur wird gewählt, um das Gleichgewicht wiederherzustellen und gegen böse Kräfte zu kämpfen. Er erlangt seine Kräfte durch intensive Meditation und die Einhaltung moralischer Prinzipien, da er die Reinkarnation eines mächtigen alten Kriegers ist.
Shaktimaans Alter Ego ist Pandit Gangadhar Vidyadhar Mayadhar Omkarnath Shastri, ein tollpatschiger und gutherziger Journalist, ähnlich wie das dynamische Verhältnis zwischen Clark Kent und Superman.
Diese Comics befriedigten den wachsenden Hunger nach sowohl lokalen Geschichten als auch globalen Superheldentrends.
In Lateinamerika
Comics in Lateinamerika haben sich einzigartig entwickelt, beeinflusst von sozialen, politischen und kulturellen Kontexten. Sie entwickelten distinctive Stile und Themen, die von lokalen Traditionen, globalen Einflüssen und bedeutenden politischen Ereignissen geprägt wurden.
Die frühesten lateinamerikanischen Comics waren stark von europäischen und amerikanischen Comics beeinflusst und bestanden oft aus humorvollen Strips, die auf Witzen oder Abenteuergeschichten basierten.
In Argentinien wurde Patoruzú (geschaffen von Dante Quinterno im Jahr 1928) zu einer der ersten berühmten argentinischen Comicfiguren. Patoruzú, ein edler indigener Häuptling mit übermenschlicher Stärke, symbolisierte die Idealisierung der einheimischen Kultur, während er Humor und Action in Einklang brachte.
In Mexiko war Los Supersabios (1936) von Germán Butze ein beliebter Comicstrip, der sich um eine Gruppe junger Wissenschaftler drehte, deren Abenteuer Humor, Bildung und Science-Fiction kombinierten. Dies spiegelt einen frühen Trend in Lateinamerika wider, Unterhaltung mit kulturellen oder bildenden Inhalten zu vermischen.
So entwickelte sich Argentinien zu einem führenden Land in der lateinamerikanischen Comicszene. Die reiche literarische und künstlerische Tradition des Landes trug zur Entwicklung ernsthafter und intellektueller Comics bei.
El Eternauta (1957) von Héctor Germán Oesterheld ist eines der gefeiertsten Werke dieser Ära. Es erzählt die Geschichte einer mysteriösen Alien-Invasion und wird als Metapher für politische Unruhen und Diktatur in Argentinien angesehen, was bei den Lesern als politische Kritik, die als Science-Fiction getarnt ist, tief ankommt.
Ähnlich war La Familia Burrón (1948) in Mexiko ein langlaufender Comic, der das Leben einer Arbeiterfamilie darstellte und sowohl Humor als auch soziale Kommentare bot.
Comics in Lateinamerika sind seit langem eine Plattform zur Thematisierung von Fragen der Identität, Ungleichheit und politischen Umwälzungen.
Auch Brasilien entwickelte seine Comic-Helden, mit Figuren wie O Tico-Tico (1905), einer Kinderzeitschrift mit lehrreichen Geschichten und Inhalten.
*Turma da Mônica* (Monicas Gang) von Mauricio de Sousa, das 1959 gestartet wurde, wurde zu einer der bekanntesten Comic-Serien Brasiliens, die Humor und kinderfreundliche Abenteuer mit einem brasilianischen Twist kombiniert.
In den letzten Jahrzehnten haben lateinamerikanische Comics vielfältigere Themen und Stile angenommen. Sie sind größtenteils von globalen Trends beeinflusst, behalten jedoch starke Verbindungen zur lokalen Kultur. Graphic Novels sind als bedeutende Form entstanden, die oft persönliche Geschichten, Identität und die reiche Geschichte der Region in den Fokus rücken.
Unabhängige und Underground-Comics haben in Mexiko zugenommen, dank Werke wie Operación Bolívar (1999) von Edgar Clément.
Dieser Comic kombiniert mexikanische Mythologie mit einer düsteren, harten Erzählung über Korruption und Macht. Die mexikanische Comicszene hat alternative und experimentelle Formen angenommen, beeinflusst von Manga und europäischen Comics, oft unter Verwendung von Fantasie zur Erkundung sozialer Themen.
In den letzten Jahren gab es eine Wiederbelebung politischer Comics in Argentinien.
Viele Schöpfer erforschen nun die Geschichte staatlicher Gewalt und das Gedächtnis, wie in Werken wie *Sudor Sudaca* von Jorge González. *Sudor Sudaca* kombiniert Elemente von Graphic Novels mit Reflexionen über die diktatorische Vergangenheit der Region.
Kolumbien hat eine lebendige unabhängige Comicszene, in der Schöpfer sowohl lokale Themen (wie bewaffnete Konflikte und Drogenhandel) als auch globale Themen (wie Umweltfragen) ansprechen.
Ein perfektes Beispiel ist Virus Tropical (2011) von Power Paola, ein autobiografischer Graphic Novel über das Aufwachsen in Kolumbien und Ecuador, der für seine persönliche und universelle Anziehungskraft bemerkenswert ist. Die Geschichte behandelt Themen wie Identität, Familie und Weiblichkeit und spiegelt sowohl persönliche als auch gesellschaftliche Probleme in Lateinamerika wider.
Comics in der digitalen Welt
Heute sind Comics ein globales Phänomen geworden. Mit dem Aufkommen des Internets können Leser Geschichten von überall her abrufen.
Der Aufstieg der digitalen Welt hat die Comic-Industrie tiefgreifend verändert, was alles von der Erstellung und Verbreitung bis hin zu Publikumsengagement und Erzähltechniken beeinflusst hat.
Der Wechsel von gedruckten zu digitalen Plattformen hat nicht nur die Comics für ein globales Publikum zugänglicher gemacht, sondern auch neue Formate und Möglichkeiten für Schöpfer und Verlage eingeführt.
Digitale Plattformen ermöglichen es Schöpfern aus verschiedenen Teilen der Welt, ihre Arbeiten zu teilen, wodurch Comics vielfältiger sind als je zuvor.
Plattformen wie ComiXology, Toomics, Webtoon und Tapas haben es Comics ermöglicht, nationale Grenzen zu überschreiten.
Leser aus verschiedenen Ländern können Comics in verschiedenen Sprachen abrufen, und Nischen-Genres oder -Schöpfer, die Schwierigkeiten gehabt hätten, ein Publikum über den traditionellen Verlagsweg zu finden, können jetzt globale Leser erreichen.
Japanische Manga haben die Welt erobert, mit Titeln wie *Naruto* und *One Piece*, die internationale Bestseller wurden.
Jedoch dominieren amerikanische Superhelden-Comics, wie die von Marvel und DC, die globalen Verkaufszahlen und führen die Comic-Kultur neuen Publikumsschichten zu.
In Europa haben Graphic Novels an kritischer Anerkennung gewonnen. Werke wie *Persepolis* von der iranisch-französischen Künstlerin Marjane Satrapi und *Maus* von Art Spiegelman (obwohl amerikanisch, hat Maus viel mit europäischer Geschichte zu tun) haben Comics zu einer respektierten literarischen Form erhoben.
Eine der bedeutendsten Auswirkungen der digitalen Welt auf Comics ist die Erweiterung des Zugangs. Früher waren physische Comics durch Geografie, Vertriebsnetze und Druckkosten eingeschränkt. Heute ermöglichen digitale Plattformen jedem mit einer Internetverbindung, Comics aus der ganzen Welt sofort zuzugreifen.
Für Leser beseitigen digitale Comics die Notwendigkeit für teure Druckausgaben, Versandkosten und lange Wartezeiten auf internationale Veröffentlichungen. Comics können jetzt weltweit gleichzeitig veröffentlicht werden, oft zu einem niedrigeren Preis, was sie erschwinglicher macht.
Comics sind nicht länger auf ihren Ursprungsort beschränkt. Sie sind zu einer universellen Sprache geworden, die Grenzen und Kulturen überschreitet. Von den komplexen Handlungen amerikanischer Superhelden bis zu den visuell beeindruckenden Seiten japanischer Manga haben Comics eine einzigartige Art, Menschen zu verbinden und Geschichten zu teilen.
Was Comics besonders macht, ist ihre Anpassungsfähigkeit. Sie können humorvoll, politisch, lehrreich oder einfach unterhaltsam sein. Sie können Revolutionen inspirieren oder einfach nur jemanden zum Lächeln bringen. Während wir weiter in das digitale Zeitalter voranschreiten, sieht die Zukunft der Comics heller aus als je zuvor.
Fazit
Comics sind mehr als nur illustrierte Geschichten. Sie sind ein Spiegel der Gesellschaft, Kultur und Geschichte. Ob es der Humor europäischer Comics, die Fantasie japanischer Manga oder die Politik lateinamerikanischer Graphic Novels ist, Comics sind zu einem wesentlichen Bestandteil der globalen Kultur geworden.
Comics haben seit ihren bescheidenen Anfängen einen langen Weg zurückgelegt. Von den frühesten bildlichen Erzählungen in alten Zivilisationen über das von Superhelden dominierte Goldene Zeitalter und von japanischen Manga zu modernen Graphic Novels hat sich das Medium zu einer globalen kulturellen Kraft entwickelt. Heute setzen Comics weiterhin Grenzen, bieten unendliche Möglichkeiten für Geschichtenerzählungen, Kreativität und Verbindungen auf der ganzen Welt.
