Wenn es etwas gibt, dessen wir uns sicher sein können, dann ist es, dass Kunst für Menschen von großer Bedeutung ist. Die Wirkung, die ein Kunstwerk, ein Künstler, eine Farbe, eine Strömung oder sogar ein Lied auf jemanden haben kann, ist unbestreitbar. Darüber hinaus spiegelt der Kunstmarkt in Deutschland die tiefgreifende historische, kulturelle und soziale Relevanz von Kunst wider und prägt, wie sie heute geschaffen, gesammelt und geschätzt wird.
Der Kunstmarkt in Deutschland entstand nicht aus dem Nichts. Wie alle historischen Entwicklungen hat er einen nachvollziehbaren Ursprung. Von den Anfängen des künstlerischen Ausdrucks an hat die Gesellschaft Kunst oft eingeschränkt und sie als Luxusobjekt behandelt, das nur wenigen zugänglich war.
Es ist wichtig zu betonen, dass Künstler nicht immer in der Lage waren, ihre Werke zu verkaufen, sich selbst zu vermarkten oder den fairen Wert ihrer Kreationen zu verlangen. Außerdem zeigen die frühen Einschränkungen für künstlerische Karrieren, wie sehr sich der moderne Kunstmarkt, insbesondere in Deutschland, entwickelt hat.
Der Kunstmarkt im Laufe der Geschichte
Die Renaissance markierte einen wichtigen Wendepunkt. Doch erst im 17. Jahrhundert begannen sich die Veränderungen in der Kunst auf europäischer Ebene wirklich durchzusetzen.
Zu dieser Zeit förderte der Rationalismus Skepsis, und zum ersten Mal seit Jahrhunderten befreiten sich die Menschen von religiösen Einschränkungen. Die wissenschaftliche Revolution erreichte ihren Höhepunkt, sodass Entdeckungen ohne Zögern akzeptiert wurden.
Bis dahin nahmen Ausstellungen von Sammlungen – meist im Besitz wohlhabender bürgerlicher Familien – die Form von Wunderkammern an.
Im 17. Jahrhundert erlebte Mitteleuropa ein außergewöhnliches Wachstum in der Kunstsammlung.
Dieser Boom wurde durch steigenden Wohlstand, Säkularisierung, intellektuelle Neugier und das Bedürfnis nach sozialer Repräsentation angetrieben und verwandelte Kunst von einer religiösen Ware zu einem Symbol persönlicher und kultureller Identität.
Folglich gewann das Bürgertum Macht und Einfluss. Um ihren neuen Status zu zeigen, fanden sie die perfekte Ausdrucksform: Kunst.
Heute, im Jahr 2018, erreichte der Kunstmarkt in Deutschland ein Volumen von fast 675 Millionen US-Dollar.
Überraschenderweise entsprach dies nur etwa einem Prozent des globalen Kunstmarkts. Laut dem Art Basel und UBS Global Art Market Report wuchs der weltweite Kunstmarkt in diesem Jahr um 6 % und erreichte geschätzte 67,4 Milliarden US-Dollar – das zweithöchste Niveau in einem Jahrzehnt.
Für junge Künstler bleibt der Eintritt in den Markt ein Traum. Sie wollen von ihrer Arbeit leben, doch die ersten Schritte sind oft voller Hindernisse. Während Enthusiasmus und Idealismus ihre Anfänge antreiben, zeigt die Realität schnell, dass der Kunstmarkt in Deutschland äußerst wettbewerbsintensiv ist. Nur wenige schaffen es, sich zu etablieren und von ihrer Kunst zu leben.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die historische Entwicklung der Kunstsammlung und der Aufstieg des Bürgertums den Boden für das komplexe und gespaltene Kunstgeschehen in Deutschland heute bereitet haben. Dieses Verständnis ist entscheidend, bevor man untersucht, wie der moderne Markt funktioniert.
Wie sich der Kunstmarkt in Deutschland spaltete
Der Kunstmarkt in Deutschland ist nicht einheitlich; vielmehr ist er klar zwischen hochpreisigen Sammlern und zugänglichen Segmenten für aufstrebende Künstler aufgeteilt. Diese Trennung spiegelt sowohl wirtschaftliche Realitäten als auch kulturelle Vorlieben wider.
Solkes: Wie ist der Kunstmarkt in Deutschland?
Raiko Schwalbe, Presseabteilung ARTMUC: Der Kunstmarkt in Deutschland konzentriert sich auf zwei Enden – das Hochpreissegment (sichtbar durch neue Auktionsrekorde jeden Monat) und das Niedrigpreissegment bis zu 10.000 Euro. Wohlhabende Investoren stecken oft Geld in hochpreisige Kunst, genauso wie sie es mit Aktien oder Immobilien tun. Interessanterweise investieren heute mehr Menschen in lebende Künstler als früher.
Wie Schwalbe erklärt, ist der Markt geografisch konzentriert. Köln, mit der prestigeträchtigen ART COLOGNE, gilt als „Kunsthauptstadt“ des Landes. Weitere bedeutende Zentren sind Karlsruhe, Hamburg und München. Hamburg ist besonders aktiv, da dort nur eine große Messe pro Jahr stattfindet, was sie zu einem stark erwarteten Ereignis für Sammler und Künstler macht.
Solkes: Wie hat sich der Kunstmarkt in Deutschland in den letzten Jahrzehnten verändert?
Raiko Schwalbe: Die Menschen sind heute offener. Anders als Ende des letzten Jahrhunderts, als viele Galerien aus Unsicherheit mieden, wird Kunst heute als Teil des Lebens, als Qualitätsmerkmal und als Ausdrucksmittel angesehen.
Insgesamt spiegelt der Kunstmarkt in Deutschland eine dynamische Spannung zwischen Tradition und Innovation wider. Während hochpreisige Sammler weiterhin bestimmte Segmente dominieren, erweitern sich die Chancen für aufstrebende Künstler durch Messen, Residenzen und ein wachsendes öffentliches Interesse.
Erfolg erfordert jedoch mehr als Talent: strategische Selbstvermarktung, Networking und Anpassungsfähigkeit sind notwendig. Das Verständnis der Marktspaltung ist daher entscheidend für jeden, der seine Karriere im zeitgenössischen Kunstbereich nachhaltig gestalten möchte.
Chancen und Herausforderungen auf dem deutschen Kunstmarkt
Heute werden Künstler wie nie zuvor gefördert. Sie erhalten Stipendien von Kunstvereinen, kulturelle Förderungen und Preise von Unternehmen und Stiftungen. Auch die deutsche Regierung unterstützt den Sektor, indem sie gemeinnützige Kunstorganisationen, Auftragswerke, Kunstakademien und Hochschulen finanziert.
Solkes: Erhalten Künstler Unterstützung von öffentlichen oder privaten Institutionen?
Raiko Schwalbe: Ja. Es gibt viele Stipendien, obwohl der Wettbewerb hart ist. Der ARTMUC AWARD unterstützt zum Beispiel Künstlerresidenzen, wodurch Kreativen die Möglichkeit gegeben wird, in verschiedenen Städten oder Ländern zu arbeiten, Kontakte zu knüpfen und auszustellen.
Trotzdem stehen viele junge Künstler vor Herausforderungen. Oft erhalten nur diejenigen mit den richtigen Netzwerken Sichtbarkeit. In diesem Sinne wirkt die Kunstwelt manchmal wie eine „Bühne der Beziehungen“. Ohne starke Kontakte können selbst Talent und Qualität nicht ausreichen.
Doch unumgänglich bleibt: Der Kunstmarkt in Deutschland ist hart. Wenige Künstler können ausschließlich von ihrer Kunst leben. Selbst talentierte Neueinsteiger müssen mit etablierten Künstlern und anderen aufstrebenden Kreativen um die Aufmerksamkeit von Sammlern konkurrieren.
Laut Schwalbe ist Selbstvermarktung essenziell. Künstler müssen eigene Websites erstellen, soziale Medien nutzen und weltweit an Kunstmessen und Ausstellungen teilnehmen. Dieser Wandel unterstreicht die veränderte Natur des Marktes; der Erfolg erfordert heute sowohl künstlerisches Können als auch unternehmerischen Antrieb.
Letztlich zeigt die gespaltene Struktur des deutschen Kunstmarkts, dass es zwar Chancen sowohl für hochpreisige als auch für aufstrebende Künstler gibt, aber eine erfolgreiche Navigation dieses Marktes strategische Vermarktung, Networking und Anpassungsfähigkeit erfordert – Schlüsselthemen, die im nächsten Abschnitt über Räume und Plattformen für Kunst vertieft werden.
Räume für Kunst
Ein weiteres wachsendes Problem ist der Mangel an Galerien und Ausstellungsflächen. Hohe Mietpreise in Städten, selbst in Berlin, verhindern, dass viele Künstler ihre Werke zeigen können. Folglich bilden Künstler oft projektbasierte Initiativen, organisieren eigene Ausstellungen oder setzen auf Nischenmessen.
Veranstaltungen wie ARTMUC spielen eine wichtige Rolle, indem sie jungen Künstlern erschwingliche Plattformen bieten, um ein breites Publikum zu erreichen. Die Nähe zwischen Künstlern und potenziellen Käufern kann zu bedeutungsvollen Austauschen und wirtschaftlichem Erfolg führen.
Wie Schwalbe betont, haben Kunstmessen in den letzten zehn Jahren erheblich an Bedeutung gewonnen und sind zu wichtigen Plattformen für Marketing und persönliche Kontakte geworden. Innerhalb weniger Tage können Künstler und Galerien mit Tausenden von Besuchern interagieren.
Geld, Kultur und Sponsoring
Kulturelles Sponsoring ist heute ebenso wichtig wie andere Formen privater Beteiligung, wie Spenden oder Stiftungen. Unternehmen nutzen es zunehmend als Teil ihrer Kommunikations- und Marketingstrategien.
Besonders in Zeiten wirtschaftlicher Unsicherheit hat sich kulturelles Sponsoring als widerstandsfähig erwiesen. Es verbindet Werbung mit der emotionalen Kraft der Kunst und macht das Sammeln und Kaufen von Kunstwerken besonders attraktiv.
Letztlich geht es beim Kunstmarkt in Deutschland nicht nur um Handel; er betrifft kulturelle Identität, Selbstausdruck und die Brücken, die zwischen Künstlern und Gesellschaft gebaut werden.
