Kunst ist eine so weite und vielfältige Welt, dass die Menschen, die Teil davon sind, ebenso unterschiedlich sind. In diesem Sinne gibt es Menschen, die sich der Kunst widmen, aber neben der Entwicklung ihrer künstlerischen Ausdrucksformen auch in ihren Studien vertieft sind. So kam es zu meinem Gespräch mit Pedro Nebreda.
Das Gespräch
Der erste Teil unseres Gesprächs war einfach: Ich wollte wissen, wer dieser Mann war, mit dem ich die Ehre und das Privileg hatte, zu sprechen.
Im Gespräch mit Pedro Nebreda erfuhr ich, dass er in Burgos, Spanien, geboren wurde. Dort verbrachte er seine Kindheit und einen Teil seiner Jugend.
Irgendwann zog seine Familie nach Madrid, wo er am damaligen Konservatorium, das in der Oper angesiedelt war, studierte. Die Studien am Konservatorium verband er mit einem Universitätsstudium an der Fakultät für Psychologie in Somosaguas, was keine leichte Aufgabe war. Es war eine sehr bereichernde Zeit.
Schon in jungen Jahren träumte er davon, Konzertorganist zu werden, denn er liebt die Orgeln der großen Kirchen. Überall in Spanien gibt es wunderschöne Instrumente, die manchmal verlassen sind, aber eine Zeit widerspiegeln, in der gute Musik nah am Volk gemacht wurde.
Die Musik war von klein auf Teil seines Lebens. Sein Großvater väterlicherseits liebte den Chorgesang und er und eine Gruppe von Freunden gründeten das Orfeón Burgalés neu, das seine Tätigkeit während des Bürgerkriegs eingestellt hatte.
Seine Mutter, wie viele Mütter dieser Generation, sang im Alltag immer Lieder, Volkslieder und vor allem Zarzuelas, die Teil der täglichen Routine waren.
Ich wandte mich der Bildung zu und gleichzeitig der Orchester- und Instrumentaldirektion, und als ich die Vorteile der Musik an mir selbst und in meinem sozialen Umfeld erkannte, versuchte ich, sie weiterzugeben.-
Darüber hinaus war Burgos schon immer eine Stadt mit einer großen Choraltradition, und da ich eine schöne Stimme und ein gutes Gehör hatte, wurde ich Teil eines Kinderchors.
Diese Erfahrung war sehr bereichernd, denn ich genoss es, sowohl bei liturgischen Feiern als auch bei den verschiedenen Konzerten zu singen.
Laura Viera A.: Erinnerst du dich an deine ersten Erfahrungen mit der Orgel als Kind?
Pedro Nebreda: Natürlich. Ich war etwa acht Jahre alt, als ich mich an die Tasten der Orgel der Kirche La Merced setzte und die Klänge genoss. Das Positive daran war die musikalische Ausbildung, die ich in jungen Jahren erhielt, sowohl im musikalischen Vokabular als auch im Wissen über das breite Chorrepertoire. Es waren Jahre, in denen ich Musik hautnah erlebte. Man kann nicht genug betonen, wie wichtig solche Erfahrungen im Leben eines Kindes sind.
Ich war beeindruckt von seiner Bescheidenheit. Er machte mir klar, dass es bei jedem Live-Auftritt einen Moment gibt, in dem man entscheiden muss, ob man weitermachen oder aufgeben will. Das passiert jedem Interpreten und Dirigenten.
Das Wichtige ist, diese negative Energie zu kanalisieren und in einen kreativen und positiven Impuls umzuwandeln.
Laura Viera A.: Nach all den Jahren, wirst du noch nervös? Wie gehst du mit den Nerven um?
Pedro Nebreda: Wenn der erste Takt des Werks erklingt, wird es subliniert und verwandelt sich in Energie und Konzentration, aber das unangenehme Gefühl bleibt. Es spielt keine Rolle, wie viel Erfahrung man hat oder wie viele Konzerte man gegeben hat. Manchmal kann es einen Sänger oder Interpreten sogar lähmen. Ich habe mehr als eine Person mit Lampenfieber behandelt, die kurz davor war, ihre Karriere deswegen zu ruinieren. Es gibt Techniken, die helfen, es zu überwinden, aber es verschwindet nie ganz.
Am Ende ist ein gutes Konzert so befriedigend, dass alle vorherigen Anstrengungen – die Vorbereitung der Partituren, stundenlange Proben, organisatorische Aufgaben usw. – als lohnenswert erscheinen.
Die Aufführung eines Werks ist eine Befriedigung, sowohl wegen der Musik selbst, die normalerweise von mir ausgewählt wurde, als auch wegen der Wirkung, die man bei anderen sieht.
Pedro versichert mir, dass fast nichts einfach war. Alles wird durch den Aufwand des Studiums und der Vorbereitung, die viele Stunden und Proben erfordert, erreicht.
Das Befriedigendste war jedoch, dass ich immer Menschen gefunden habe, die mich unterstützt und verstanden haben, sowohl in meiner Familie als auch in den Gruppen, die ich geleitet habe und mit denen ich gerne gearbeitet habe.
Laura Viera A.: Hast du magische Momente auf der Bühne erlebt?
Pedro Nebreda: Ja. Vor ein paar Tagen dirigierte ich ein Oratorium von Haydn in einem Theater in Madrid und konnte sehen, wie sehr sowohl die Chormitglieder, das Orchester als auch das Publikum in einer Art Ekstase waren, die während der Aufführung in der Luft lag. Es war spürbar und zeigte sich im Schlussapplaus. Dann vergisst man die ganze Zeit, die man in die Vorbereitung gesteckt hat, und es scheint alles gut investiert zu sein. Diese Emotion ist es, was die Live-Musik als einzigartige Erfahrung auszeichnet.
Im Laufe seiner Karriere hat er große Erfolge im musikalischen und beruflichen Bereich als Lehrer erzielt, und dennoch bleibt ihm das Gefühl, nie eine eigene kleine oder große Orchestergruppe gehabt zu haben.
Indem man die Jugend an klassische Musik heranführt, würden Kinder und Jugendliche sehen, dass es nicht so schwierig ist, Musik in der Schule, in der Familie oder mit Freunden zu spielen.
Pedro hat mir erzählt, dass in Spanien leider die instrumentale Praxis und das Erlernen von Musikinstrumenten, insbesondere von Saiteninstrumenten, vernachlässigt werden. Im Levante gibt es eine große Tradition der Blasinstrumente, die schon in jungen Jahren gepflegt wird, und das ist sehr erfreulich. Mittlerweile gibt es mehr Möglichkeiten für Kinder, Teil von Gesangsensembles zu werden, da immer mehr Musikschulen entstehen, und sogar in einigen Schulen wurde das Chorsingen in den Unterricht integriert.
Laura Viera A.: In diesem Zusammenhang, wie hast du daran gearbeitet, diese Situation zu ändern?
Pedro Nebreda: Ich war Teil der zweiten Generation von Musiklehrern in der Sekundarstufe, als es dieses Fach noch nicht im Lehrplan gab, und das restliche Lehrpersonal betrachtete es mit Unwissenheit und sogar mit Verachtung. Aber als meine Schüler ein einfaches Konzert im Schulzentrum gaben, änderten sich die Meinungen, und man begann zu überlegen, „wie ich das erreicht hatte.“ Sie erkannten, welchen Beitrag die Musik für Jugendliche leisten kann.
In seiner Doktorarbeit „Die Musikalische Intelligenz“ zeigte er das Potenzial der Musik für die menschliche Entwicklung auf. Diese Botschaft an die Lehrerschaft zu vermitteln, ist noch ein ausstehender Erfolg, den ich in meinen Vorträgen und Kursen für Lehrkräfte weiterhin verfolge.
Die Welt der Chöre
Für mich war das Erste, zu verstehen, was Chorgesang ist. Nun gut. In jeder Epoche haben sich verschiedene Chorgenres entwickelt.
In der Renaissance entstehen neue Formen des Chorgesangs, die mit dem weltlichen Gesang melodische Themen austauschen.
Herausragend sind die franko-flämischen Meister wie Guillaume Dufay, Antoine Brumel, Roland de Lassus und Josquin des Prés, Mitglieder einer Schule, die von Chartres bis in die Niederlande reicht, und Autoren von Chorwerken mit einem sehr dichten Kontrapunkt.
Parallel dazu komponierte der Franzose Clément Janequin berühmte a cappella Chorwerke wie *La bataille* und *Le chant des oyseaux*, die als Vorläufer der beschreibenden Musik der Spätromantik gelten.
Auch die Italiener haben in dieser Zeit viele Musiker, unter denen Palestrina und die Werke der ersten (mantuanischen) Periode von Claudio Monteverdi hervorstechen, die mit den Techniken der Renaissance geschrieben sind.
Auch die Spanier haben brillante Komponisten, darunter Cristóbal de Morales, Juan del Encina und vor allem Tomás Luis de Victoria, dessen Werke als gleichwertig, wenn nicht gar überlegen, zu denen von Palestrina gelten.
Wenn wir über Musik sprechen, tauchen die Begriffe: Chor, Choral und Polyphonie oft im Alltagsvokabular auf. Beginnen wir damit, festzustellen, dass Singen das Grundprinzip der Musik ist und die Stimme das natürliche Element, das Menschen besitzen, um Musik zu machen.
In der historischen Betrachtung der Musik, insbesondere im Westen, wissen wir, dass seit den frühen Christen, die ihre Gebete sangen, über den gregorianischen Gesang (einstimmiger Gesang) im Mittelalter und die Entwicklung des Gesangs zur Polyphonie in der Renaissance, das Singen ein soziales, menschliches und kulturelles Ausdrucksmittel der Völker war.
Im Laufe der Jahrhunderte war, musikalisch gesehen, das Gewicht, das die menschliche Stimme in der musikalischen Ausdrucksweise hatte, von großer Bedeutung. Obwohl die Entwicklung der Musikinstrumente bemerkenswert war, bildete der Gesang die Grundlage der Entwicklung der westlichen Musik.
Wir befinden uns im 21. Jahrhundert, und wir, die wir in der Musik sind, verteidigen den Gesang als fundamentale Basis ihrer Entwicklung. Jeden Tag wird der Gesang als Methode des musikalischen Lernens mehr gefördert. Manchmal hören wir Leute sagen, dass sie singen, dass sie in einem Chor sind, andere sagen, sie seien in einem Choral und andere in einer Polyphonie, und wir wissen nicht, was der Unterschied zwischen ihnen ist.
Die Fortschritte der KI ermöglichen mittlerweile sogar Kompositionen in einem bestimmten Stil. Wenn es eine entsprechende Ausbildung gibt, sind diese Werkzeuge großartig. Andernfalls werden sie nur kleine Spielereien bleiben.
In Wirklichkeit ist es fast dasselbe, ob man von Chor, Choral oder Polyphonie spricht. In all diesen Gruppen wird mehrstimmig gesungen, also polyphon. Doch es gibt Unterschiede.
Chor: Beim Singen bezeichnet man eine Gruppe von Personen, die ein Stück Vokalmusik koordiniert aufführt, als Chor, Choral oder Vokalensemble. Es ist das kollektive Ausdrucksmittel für gesungene Werke oder solche, die den Einsatz der Stimme erfordern.
Choral: Der Begriff “Choral” wurde ursprünglich verwendet, um die monodischen Gesänge der Liturgie der westlichen Kirche zu bezeichnen, wie zum Beispiel den gregorianischen Gesang.
Laura Viera A.: Was ist das Beste und das Schlechteste an Chören?
Pedro Nebreda: In einem Chor zu singen, ist eine der erfüllendsten Aktivitäten, solange man über gewisse musikalische Fähigkeiten verfügt – was keine spezifischen musikalischen Kenntnisse einschließt. Das Zusammensein, das gemeinsame Musizieren, die ästhetische Befriedigung, die die Aufführung des Werkes selbst hervorruft, der Applaus des Publikums, die Pflege der Stimme, die Konzentrationsförderung usw. sind Anreize, die viele Studien gezeigt haben und die Menschen glücklicher machen und ihnen emotional und intellektuell ein besseres Gefühl geben. Meine lange Erfahrung in der Chorleitung hat mir bestätigt, dass dies eine Sucht erzeugt, auf die man nicht mehr verzichten möchte, sobald man sie einmal erlebt hat. Deshalb ist es gut, diese gesunden Gewohnheiten bereits in der Kindheit zu fördern. Die Nachteile, die gelegentlich durch das Zusammenleben in einer Gruppe entstehen, wie bei jeder menschlichen Aktivität, sind so gering, dass sie kaum Erwähnung verdienen. Chor, kleines Ensemble, Instrumentalgruppe – all das sind vergleichbare Aktivitäten.
Pedro versicherte mir, dass viele große Künstler und Musiker so ihre Leidenschaft für die Musik entdeckt haben.
Gute Musik ist immer eine Inspirationsquelle
Wie er mir klarmachte, ist gute Musik immer eine Inspirationsquelle. Allerdings macht uns die “Improvisation”, die wir durch unsere Erfahrung mitbringen, für das eine oder andere sensibler. Auch auf technischer Ebene hat die Musik der Renaissance viel zu lehren, was die Komposition betrifft. Tatsächlich stammen die heute in den Konservatorien gelehrten Harmonielehren aus dieser Epoche.
Ich fand es faszinierend zu erfahren, dass seine Inspirationsquellen zunächst in der spanischen Musik der Renaissance und des Barock liegen. Schon als Kind liebte er die Werke von Tomás L. de Victoria und P. Soler, die wir im Chor und im Klavierunterricht aufführten, und später entwickelte ich mich in Richtung Klassizismus, hin zu Mozart und einigen Chorwerken von Beethoven.
Es sollte mehr Möglichkeiten für Jugendliche geben, sich in einem Raum zu treffen und stundenlang Musik zu machen. Einige Rathäuser setzen dies bereits in ihren sozialen Programmen um, was ein Erfolg ist.
Das Studium des Klaviers gab ihm eine breite Kenntnis von Komponisten aus allen historischen Epochen der Musik, doch der Geist der Renaissance mit der Schlichtheit und Schönheit ihrer Harmonien berührt ihn immer noch tief, ebenso wie die italienische Barockmusik mit ihrem ausgeprägten Ausdruck und Rhythmus.
Laura Viera A.: Wie sieht die Welt der Kunst in deinem Heimatland aus?
Pedro Nebreda: In Spanien hat sich die musikalische Kunstszene in den letzten fünfzehn Jahren spektakulär verbessert. Es wurden Konzerthallen gebaut, öffentliche Orchester gegründet und Musikschulen mit Unterstützung der örtlichen Verwaltung vervielfacht. Allerdings mangelt es noch an guten Interpreten, und das allgemeine Niveau der Chöre ist ziemlich niedrig, mit Ausnahme von Regionen wie dem Norden, wo es eine stärkere Choraltradition gibt. Aber es muss weiterhin eine gute musikalische Ausbildung von klein auf umgesetzt werden – das ist der Schlüssel. Ansonsten werden die Orchester mit ausländischen Musikern besetzt, was zum Teil bereits der Fall ist, und sie werden nicht im sozialen Gefüge verwurzelt, aus dem sie kommen sollten, um mehr als nur eine Show zu sein.
Laura Viera A.:Du bist seit Jahrzehnten in der Musik, einem sehr schwierigen, wettbewerbsintensiven und intensiven Bereich. Was begeistert dich an ihr?**
Pedro Nebreda: In der Musik ist alles Leidenschaft, wenn man sich ihr widmet, aber das Schwierigste für einen Musiker ist das Management seiner eigenen Tätigkeit. Wir neigen dazu, dies an Organisationen zu delegieren, die uns helfen, allerdings manchmal mit hohen Kosten, und das ermöglicht es, die Werke ohne andere Sorgen als die Musik selbst zu erleben. Wer nicht leidenschaftlich ist, hat in der Musik keinen Platz. Beethoven sagte bereits: “Ohne Leidenschaft gibt es keine Musik.”
Musikpädagogik und Musiktherapie
Ein Liebhaber der Musik, der Instrumente, der Chöre, der Melodien und Kompositionen des Barock zu sein, war nicht genug. Pedro hatte immer das Bedürfnis, etwas mehr zu wissen, mehr zu erforschen.
Da die Bildung im frühen 20. Jahrhundert an Bedeutung gewann, wurden mehrere Methoden entwickelt, die die Musik in die Schule einbezogen und eine pädagogische Strömung hervorbrachten, die Lehrern Bildung und Ideen auf Basis der Grund- und Vorschule vermittelte. Dadurch entstanden Spezialisten, die den Musikunterricht motivierender und befriedigender gestalteten, ohne die Härte, die ihn vor Jahren als langweilig und wenig attraktiv erscheinen ließ.
Laura Viera A.: Warum hast du beschlossen, dass Musikpädagogik und Musiktherapie wichtig sind?**
Pedro Nebreda: Die Pädagogik ist die Kunst des Lehrens, und auf die Musik angewendet, ist sie eine Spezialität für sich. Wie bereits erwähnt, gibt es zahlreiche Methoden, die in diesem Bereich entwickelt wurden, und in meiner Arbeit als Lehrer war ich stets motiviert, Jugendliche für dieses Fach zu begeistern, weil ich das persönliche und soziale Bereicherungspotenzial der Musik erkannte. Die Musiktherapie entdeckte ich, als ich die Vorteile der Musik in allen Entwicklungsstadien und besonders bei psychischen Erkrankungen erkannte. Meine Psychologiestudien halfen mir sehr dabei, die beiden Fächer, Musik und Musiktherapie, zu verbinden, da ich entdeckte, dass es kein Lebensstadium gibt, in dem die Musik im weiteren Sinne – der Klang – keine Rolle spielt.
In der Musikkunst bringen Frauen eine große Sensibilität mit.
Laura Viera A.: Wie hat die Musikpädagogik deine Karriere beeinflusst?
Pedro Nebreda: Ich hatte das Glück, außergewöhnliche Musiklehrer zu haben, sowohl in Burgos als auch später im Konservatorium in Madrid, die das Lernen motivieren konnten, als in Spanien noch keine Methoden wie Orff, Kodaly, Suzuki etc. bekannt waren. Aber sie hatten eine unersetzliche didaktische Intuition, die keine akademische Ausbildung vermitteln kann.
Laura Viera A.: Ich werde dir Wörter geben, und du sagst mir, was du von ihnen hältst: Bildung, Frau, Musik, Kunst.**
Pedro Nebreda: Natürlich… Bildung ist das, was uns menschlich, sozial und sensibel gegenüber unseren Mitmenschen macht. Ohne sie – verstanden als ein Prozess nicht nur des Lernens, sondern der Verinnerlichung von Werten – wäre Gesellschaft nicht möglich. Ohne sie gibt es keine menschliche Entwicklung und daher auch keine musikalische.
Frau:Die menschliche Verkörperung der Weiblichkeit ermöglicht die positive Entwicklung unserer Spezies; ohne sie wäre das Überleben von Individuen und Gesellschaften nicht möglich. Die Frau ist nicht das ergänzende Element des Mannes, wie manchmal dargestellt, sondern sie besitzt in ihrem physischen und psychologischen Sein eigene und unterschiedliche Merkmale, auf die sie nicht verzichten sollte, sondern sie im Gegenteil entwickeln sollte, um ihre Erfüllung zu erreichen.
Musik: Musik ist eine der Künste, aber als solche beinhaltet sie eine Vielzahl kultureller Prozesse: den Ausdruck von Gefühlen, Gedanken, Geschichten und Erzählungen; sie fördert den Spracherwerb, ermöglicht individuelle und kollektive Kommunikation, erleichtert die Spannungsentlastung durch Tanz und Stimme, fördert die Vorstellungskraft usw. Ihre Bedeutung ist so groß, dass ihr Lernen von Kindheit an gefördert werden sollte, wie ich zuvor erwähnt habe. So sehr, dass, wie Gardner in seiner Theorie der Multiplen Intelligenzen feststellt, die musikalische Intelligenz der mathematischen oder verbalen Intelligenz gleichgestellt werden kann, um einige zu nennen.
Kunst: Alles, was mit Schönheit zu tun hat, gehört zur Kunst. So sprechen wir beispielsweise von der Kunst des Webens, der Handwerkskunst usw. Wer ein Künstler ist, und wir alle haben einen Künstler in uns, drückt ihn in seiner Tätigkeit aus. Dann gibt es Künste mit einem großen “K”, weil sie durch das Engagement vieler Künstler im Laufe der Geschichte auf ein höheres Niveau entwickelt wurden. Die Musik nimmt in dieser Hinsicht einen bevorzugten Platz ein. In der westlichen Bildung wurde der Logik und in der Folge der Technologie große Bedeutung beigemessen, und jetzt wird entdeckt, dass die künstlerische Facette unerlässlich ist, um ganzheitliche und vor allem glückliche Menschen zu entwickeln.
Nun wenden wir uns einem weiteren Bereich innerhalb der Musik zu: der Musiktherapie. Es ist wichtig zu betonen, dass es sich dabei um den Einsatz von Musik und/oder ihren Elementen (Klang, Rhythmus, Melodie, Harmonie) handelt, der von einem qualifizierten Musiktherapeuten mit einem Patienten oder einer Gruppe durchgeführt wird.
Das grundlegende Ziel besteht darin, einen Prozess zu schaffen, der Kommunikation, Beziehungen, Lernen, Bewegung, Ausdruck, Organisation und andere relevante therapeutische Ziele fördert, um die körperlichen, emotionalen, geistigen, sozialen und kognitiven Bedürfnisse zu erfüllen.
Ziel ist es, Potenziale zu entwickeln und/oder die Funktionen des Einzelnen so wiederherzustellen, dass er eine bessere intra- und/oder interpersonale Integration und folglich eine bessere Lebensqualität durch Prävention, Rehabilitation und Behandlung erreichen kann.
Laura Viera A.: Was wissen die Menschen nicht über die Musiktherapie?
Pedro Nebreda: Fast alles, obwohl wir in der Praxis alle Musik als Therapie in unserem täglichen Leben verwenden. Man braucht nur die Gefühle zu beobachten, die bei jedem Konzert, unabhängig vom Musikstil, aufkommen, um zu erkennen, was die Menschen dabei freisetzen. Im Allgemeinen ist es ein sehr unbekanntes Gebiet, obwohl es ein enormes linderndes und heilendes Potenzial hat.
Es gibt ein ganzes Feld, das erforscht und in die Praxis umgesetzt werden muss.
Laura Viera A.: Wie könnten wir von der Musiktherapie profitieren?
Pedro Nebreda: Sie ist noch weitgehend ungenutzt. Zum Beispiel im Bereich der psychischen Gesundheit, insbesondere bei Depressionen und Angstzuständen. Mehrmals hatte ich die Gelegenheit, Vorträge für medizinische Teams aus verschiedenen Bereichen zu halten, über die Rolle, die Musik in Krankenhäusern und bei der Behandlung psychischer Erkrankungen spielen kann. Viele von ihnen berichteten mir, dass die vorgeschlagenen Erfahrungen sehr gute Ergebnisse bei den Patienten brachten.
Laura Viera A.: Aber, gab es Veränderungen?
Pedro Nebreda: Die Universitäten bieten in diesem Bereich keine ernsthafte akademische Ausbildung an, da das erforderliche Profil Musiker und Psychologe umfassen müsste, was nicht häufig vorkommt. Aber mittlerweile gibt es in unserem Land Zentren, an denen man einen Abschluss als Musiktherapeut erwerben kann, was vor einigen Jahren noch nicht möglich war. Wir machen also Fortschritte. Das Interessante wäre, wenn diese Fachkräfte in Krankenhäusern, Gesundheitszentren, Kinderzentren, Zentren für körperlich und geistig Behinderte, Seniorenzentren usw. arbeiten könnten. Die Möglichkeiten sind zahlreich.
Angesichts vieler emotionaler und psychischer Defizite bei Kindern und Erwachsenen in den Therapiegruppen beschloss Pedro, sich über den Einsatz von Musik in Therapien und Sitzungen zu informieren.
Er hatte das Glück, die vielfältigen Anwendungsmöglichkeiten der Musik aus erster Hand zu erfahren. Der Rhythmus hilft, Ungleichgewichte zu stabilisieren, gibt Energie bei Depressionen und ermöglicht durch Tanz und Melodie emotionale Auslöser.
Er erkannte die Vorteile der Klangtherapie durch das Singen und die eigene Stimme, die er bei Erwachsenen und bei Problemen wie Dyslalien und sogar emotionalen Taubheiten bei Kindern und Jugendlichen beobachten konnte. Es gäbe viel zu diesen therapeutischen Möglichkeiten der Musik zu schreiben.
Vorübergehendes Ende
Kurz nach dem Abschluss unseres Gesprächs wurde mir die Kraft, die in der Musik steckt, klar. Ich war ihr gegenüber nicht gleichgültig, aber ich hatte ihr volles Potenzial nicht erkannt.
Jetzt weiß ich, dass Musik an sich heilen kann. Es ist offensichtlich, dass es keine allgemeinen musikalischen Rezepte gibt, um sich besser zu fühlen. Es kann auch keine einheitliche Therapie angewendet werden, da jeder Ansatz anders ist.
Pedro ist ein Mann, der der Kunst und der Musik treu geblieben ist. Sein Ziel war es nie, Anerkennung zu finden. Sein Antrieb war immer die Musik und die Hingabe an das Lehren. Seine berufliche Erfahrung teilt sich zwischen seiner Hingabe zur Musikausbildung sowohl von Jugendlichen als auch von Lehrern und seiner Erfahrung in der Chorleitung.
